Le forme che ci proteggono: il volto che scegliamo di essere

SOUL | ANSELMO DI BELLA

Ci sono momenti in cui osservare un uomo all'opera nella propria arte equivale a vederlo compiere una sorta di scissione controllata, un atto di distillazione identitaria in cui le sue debolezze vengono sospinte ai margini non per negazione, ma per necessità di sopravvivenza. È come se l'atto creativo diventasse un laboratorio segreto dove l'individuo impara a separare ciò che lo espone da ciò che lo protegge, ciò che lo rende vulnerabile da ciò che gli permette di restare in piedi. In questa dinamica, apparentemente contraddittoria, si rivela una verità scomoda e insieme profondamente umana: siamo creature che si difendono da sé stesse, che costruiscono maschere non per ingannare gli altri, ma per rendere abitabile il proprio stesso volto. La maschera, in questo senso, non è un artificio morale, ma un dispositivo di adattamento. Non è la negazione dell'autenticità, ma la sua modulazione. Ogni volta che ci troviamo davanti a un altro essere umano, la nostra identità si ricalibra, si piega, si tende, si ricompone. Non perché siamo falsi, ma perché siamo relazionali. L'io non è un monolite, è un organismo permeabile, un campo di forze che reagisce alla presenza dell'altro. E l'arte, paradossalmente, è uno dei luoghi in cui questa metamorfosi diventa più evidente: l'artista non mostra mai tutto, ma non mente mai del tutto. Sceglie, seleziona, devia, amplifica. Si scinde per potersi esprimere, si protegge per potersi esporre.  

È un gesto che contiene una tensione antica: da un lato il desiderio di essere visti nella nostra interezza, dall'altro la paura di essere feriti proprio in quella zona dove siamo più veri. Così impariamo a trattare con noi stessi come si tratta con un avversario che conosce ogni nostra mossa: con cautela, con astuzia, con una certa dose di pietà. Ci diciamo che la maschera è necessaria, che la distanza è prudenza, che la scissione è professionalità. E in parte è vero. Ma sotto questa architettura di protezione rimane un nucleo fragile che continua a pulsare, che continua a chiedere riconoscimento, che continua a temere il giudizio. La cosa sorprendente è che questa pluralità di identità non è un difetto, ma una condizione strutturale dell'essere umano. Non siamo mai uno, siamo sempre molti. La nostra interiorità è un coro, non un solista in preda all'ego. E ciò che chiamiamo "maschera" è spesso solo la voce che scegliamo di far emergere in un determinato contesto. L'errore sta nel pensare che esista un volto originario, puro, definitivo, da cui tutte le altre versioni sarebbero deviazioni. In realtà, ogni maschera è una verità parziale, una forma di noi che prende il sopravvento per necessità, per desiderio, per paura o per amore. L'arte, allora, diventa il luogo dove questa molteplicità può essere osservata senza vergogna. Dove la scissione non è un tradimento, ma un metodo. Dove la fragilità non è un ostacolo, ma una materia da plasmare. Dove l'identità non è un recinto, ma un campo aperto in cui sperimentare, rischiare, cadere, rialzarsi. E forse è proprio in questo movimento oscillante — tra protezione e esposizione, tra maschera e volto, tra debolezza e forza — che si misura la profondità di un essere umano. Perché alla fine, ciò che ci rende autentici non è l'assenza di maschere, ma la consapevolezza con cui le indossiamo. Non è la rigidità di un'identità unica, ma la capacità di abitare le nostre molteplici forme senza perderci. Non è la negazione della fragilità, ma la sua trasformazione in linguaggio, gesto, pensiero. L'uomo che si scinde nella sua arte non si sta nascondendo: sta tentando, con gli strumenti che ha, di dire la verità in un mondo che spesso non sa ascoltarla. E in questo tentativo, imperfetto e necessario, c'è tutta la dignità del nostro essere umani. 

p.s. Nel momento in cui un uomo "sceglie" cosa mostrare di sé nella propria arte (o in una relazione), sta compiendo un gesto ontologico: decide quale qualità, tra le molte che lo abitano, deve farsi "identità" in quel contesto. In filosofia, l'identità è ciò che rende una cosa riconoscibile come "quella cosa" e non un'altra: quell'insieme di caratteristiche che la definisce e la distingue dal resto. Ma queste caratteristiche non sono tutte in primo piano allo stesso tempo, sono un giacimento, un archivio. Scegliere, quindi, significa operare una prima delimitazione: non tutto di me è convocato alla scena. Alcune parti rimangono in ombra, non perché non esistano, ma perché non sono funzionali a quell'atto, a quel pubblico, a quella situazione. Qui entra già l'idea di maschera in senso pirandelliano: non una bugia, ma una forma. Pirandello mostra come l'individuo, per stare nel mondo, debba assumere dei ruoli, delle "facce", che corrispondono a ciò che gli altri si aspettano o a ciò che la situazione richiede, trasformando una parte del suo essere in figura stabile, riconoscibile. Scegliere, allora, è il primo movimento: l'io prende posizione dentro la propria molteplicità. Dice, anche se tacitamente: "In questo momento, io sarò questo". Se "scegliere" è decidere il registro, "selezionare" è operare una curatela più fine. L'essere umano non porta mai fuori tutto ciò che pensa, sente, desidera. C'è una continua operazione di filtro: alcune emozioni vengono lasciate passare, altre vengono trattenute; alcuni pensieri vengono formulati, altri vengono cancellati prima ancora di emergere nel linguaggio. In termini filosofici, potremmo dire che la selezione è l'atto pratico con cui si costruisce la figura dell'identità in rapporto al contesto: l'io non è solo ciò che è, ma ciò che decide di rendere attuale di sé in un dato momento. L'identità, da questa prospettiva, non è solo una "essenza", ma una configurazione situata – un certo modo di organizzare le proprie qualità in risposta all'ambiente, alle aspettative sociali, alle norme implicite. Pirandello, ancora una volta, lo rende narrativamente evidente: le "maschere" che indossiamo non sono generalità astratte, ma combinazioni precise di tratti che si attivano in certi contesti. Con alcuni diventiamo il "professionista", con altri "il figlio", con altri ancora "l'amante" o "l'amico", e ognuna di queste posizioni comporta la selezione di un repertorio emotivo, linguistico ed espressivo differente. Selezionare significa, quindi, accettare che non tutto ciò che siamo può coesistere allo stesso livello. Alcune parti devono tacere perché altre possano parlare. "Deviare" introduce un'altra sfumatura: non è solo scegliere e selezionare, ma anche piegare, indirizzare diversamente. Qui non siamo più solo nel registro della sottrazione (tolgo questo, tolgo quello), ma in quello della trasformazione: ciò che sono, così come lo sento dentro, viene leggermente spostato, adattato, talvolta persino deformato, per poter entrare in una relazione. Filosoficamente, potremmo dire che l'io, nella relazione con l'altro, non è mai un "dato" che si limita a esprimersi; è sempre anche un "prodotto", qualcosa che si costituisce e si riforma nella risposta ai volti che incontra. La maschera, in Pirandello, non è solo un velo che copre, ma una forma plastica che si modella sugli sguardi altrui: la società è un palcoscenico, e sul palcoscenico non si può semplicemente "essere", si deve "recitare", cioè deviare il proprio essere spontaneo verso forme comprensibili e accettabili per gli altri. Deviare, quindi, non è necessariamente falsificare. È riconoscere che la linea pura del nostro sentire, se rimanesse intatta, sarebbe spesso intrasmissibile, incomunicabile, a volte perfino distruttiva. Allora la pieghiamo. Ammorbidiamo un'intensità, moduliamo un giudizio, spostiamo un dolore in ironia, cambiamo il linguaggio di un trauma in metafora artistica. La deviazione è il compromesso tra la nostra interiorità e il mondo. "Amplificare" è il rovescio della deviazione: non è soltanto piegare, ma intensificare. Una volta scelta, selezionata e deviata una certa versione di noi, questa viene portata in primo piano, ingrandita, resa più visibile, più sonora, quasi esagerata rispetto alla sua proporzione interna. Qui entra fortissimo il legame con l'arte. L'artista non mostra la totalità del suo essere, ma una certa linea di forza: un dolore, un'ossessione, una domanda, un conflitto. E questa linea non viene solo esposta, viene dilatata. Una fragilità reale diventa un'intera poetica, un singolo evento biografico diventa metafora universale, un tratto del carattere diventa stile. Amplificare significa trasformare una parte in chiave di lettura del tutto. In questo senso, l'identità artistica è una forma radicale di maschera: non perché finga, ma perché porta all'estremo una parte di sé fino a farla coincidere, agli occhi degli altri, con il "vero io" dell'artista. Pirandello mostra come la società tenda a fissare l'individuo in un ruolo, in una definizione, in un nome che cristallizza una delle sue maschere e la assolutizza. L'artista, spesso, collabora con questa fissazione: amplifica un certo tratto fino a farlo diventare la sua firma, il suo marchio, la sua "voce". Filosoficamente, l'amplificazione è il punto in cui la selezione diventa destino: ciò che ho scelto e selezionato come forma della mia presenza, se ripetuto, intensificato e riconosciuto dagli altri, finisce per definirmi. Divento ciò che ho deciso di portare più spesso in primo piano. Ciò che avviene, in profondità, è che l'identità non è più pensabile come una sostanza compatta, ma come il risultato di una serie di atti, di gesti ripetuti, di posture. La filosofia contemporanea dell'identità insiste proprio su questo: l'identità è ciò che rende una entità riconoscibile, ma ciò che la rende riconoscibile è l'insieme di qualità con cui essa si presenta e si mantiene nel tempo, non un nucleo immobile separato dalle sue manifestazioni. La teoria delle maschere di Pirandello radicalizza questa intuizione: non esiste un io unico che precede le maschere; esiste piuttosto un gioco di ruoli, di immagini, di aspettative, in cui l'io si disperde in mille versioni diverse di sé stesso. L'essere e l'apparire entrano in tensione costante, e la maschera diventa insieme difesa e prigione: ci protegge, ma ci definisce; ci salva dall'esposizione totale, ma rischia di costringerci in una forma che non ci rappresenta più. Quando un uomo "si scinde nella sua arte" e "scosta le proprie debolezze per proteggersi", non sta tradendo la sua verità: sta tentando di governare questo processo. Prende le sue fragilità, le passa attraverso questi quattro verbi, e ne ricava una forma che possa esistere nel mondo senza distruggerlo né distruggerlo completamente. In questo senso, la maschera non è solo una fuga: è un tentativo di salvare sia l'arte che la vita. Il paradosso, alla fine, è questo: ciò che sembra più "finto" – la maschera, la deviazione, l'amplificazione – è spesso il luogo in cui la verità si rende più visibile. Non perché la maschera coincida con il nucleo più profondo dell'io, ma perché permette a quel nucleo di parlare in una lingua che il mondo può ascoltare. La maschera, in Pirandello, è tragedia perché ci separa dagli altri, ma è anche condizione per la possibilità di qualsiasi relazione: senza una forma condivisibile, l'io resterebbe muto, incompreso, frammentato. L'arte, lavorando su scelta, selezione, deviazione e amplificazione, porta all'estremo questo paradosso: più si costruisce, più svela; più si media, più rivela; più si "recita", più, a volte, ci avvicina a qualcosa che somiglia alla verità. In termini filosofici: l'essere umano non è mai solo ciò che è "in sé", ma anche ciò che diventa, scena dopo scena, scelta dopo scelta. E il lavoro su queste quattro operazioni – scegliere, selezionare, deviare, amplificare – è il modo concreto in cui, ogni giorno, trattiamo con noi stessi, ci difendiamo da noi, e nello stesso tempo tentiamo di incontrarci davvero.